Суми-э или "Птицы под облаками".Личная печать в Японии.

Продолжу свой рассказ о моем интересе к искусству и поэзии народов  Востока.

Несколько раз я была в Музее Востока и в Музее изобразительных искусств на выставках рисунков японских художников. Моим любимым художником стал Хокусай. Его работы могу рассматривать очень долго. А несколько лет назад я познакомилась с искусством Суми-э.

 Поэтому, когда  узнала, что в Дарвиновском музее проходит выставка японской живописи "Птицы под облаками" написанных в технике суми-э, я пошла ее смотреть.

 Особенность этой выставки состоит в том, что Творческий Союз художников японской живописи Суми-э, при поддержке культурно-делового центра "Японский дом" приурочили эту выставку к 370- летию со дня рождения японского поэта Мацуо Басё (1644-1694) в рамках ежегодного фестиваля  "Японская осень".

 Но обо всем по порядку.

О японском поэте Мацуо Басё я впервые услышала из цикла лекций Академии по ТВ "Культура". Я купила сборник его стихов и он стал одним из моих любимых поэтов.

.Мацуо Басё вошел в историю японской культуры как великий реформатор, создавший новый жанр лирической поэзии - трехстишья хайку.

Хайку- это суета сует, ловля ветра и томление духа.

Для понимания хайку необходимо представить печаль и грусть одиночества, немного налета старины, много подтекста, мало слов. Всего пять слогов в первой строке, семь -во второй и пять - в третьей. Хайку состоит из трех строк, но включает в себя весь окружающий мир.

Но хайку только внешне проста и народна, как это стихотворение Мацуо Басё:

После хризантем,
Кроме редьки,
Ничего нет (1691г.)

Поэт утверждает, что внутренняя красота овоща, может быть также прекрасна, как и воспетая в японской лирике - хризантема.

Хайку - не стихи, а образ жизни, часть философского восприятие мира.

На выставке каждый рисунок сопровождался трехстишьем хайку , как и само название выставки "Птицы под облаками"-

Суми-э японская монохромная живопись тушью.

Это направление возникло в 14 веке и было заимствовано из Китая. В Японию его привезли китайские монахи,. придававшие этому искусству особый сакральный смысл. Позднее суми-э стала составной частью культуры самураев. (О выставке самураев я уже рассказывала.) Благородные японские феодалы находили в суми-э сходство между живописью и фехтованием, считая путь "кисти и меча"- единым.

Название суми-э переводится как тушь (суми) и живопись (э). К концу 14 века монохромная живопись стала основным жанром живописи в монастырях.

В наши дни на Западе принято принято называть суми-э любое изображение написанное тушью с использованием технических приемов традиционных для Азии.

Суми-э можно узнать по уникальности сюжета, мягкому прикосновению кисти и обильному использованию воды. Отличие живописи суми-э в том, что в ней присутствует только черный цвет и широкая гамма оттенков серого. Картина, созданная в такой технике, пишется экспромтом, без наброска, так как тонкая рисовая бумага не допускает ни малейшего исправления.

Наиболее точное определение этому искусству дал поэт и художник Максимилиан Волошин, назвав суми-э "танцем руки и кисти".

И все же , большинство работ представленных на этой выставке были написаны скорее в "европейской манере", чем в "японской".

Основой философии суми-э является концепция ПУСТОТЫ- краеугольный камень учения дзен-буддизма. "Все приходит из ПУСТОТЫ, и все в ПУСТОТУ уходит". Поэтому в картине обязательно должно присутствовать незаполненное пространство, которое эхом будет отзываться на одухотворенность линий, пятен, размывов, дымки, давая возможность ощутить "дыхание ПУСТОТЫ". Очень часто это пространство заполнялось стихами.

Некоторые работы нарушали основной принцип суми-э - монохромность, добавляя в рисунок  другие цвета, но хайку Мацуо Басё их прекрасно дополняли.

Если внимательно смотреть на рисунки, то на многих стоит красная печать.

Когда я, много лет назад, в первый раз увидела рисунки в стиле суми-э, мне объяснили: что эту печать ставят на работах, признанных мастерами суми-э в Японии. Оказалось, что это не так. Посмотрев в интернете я узнала следующее.

Там где европеец поставил бы подпись, житель Японии приложит личную печать. На бумаге остается ярко-красный оттиск: изящный рисунок с изображением иероглифов. В древней Японии печати были в ходу при дворе, позже появиись у официальных и религиозных организаций, а потом у самураев.

Крестьяне и городская беднота о ней и не мечтали. Зато теперь собственная печать есть у каждого гражданина Японии. Даже иностранцы (гайдзин) имеют право зарегистрировать ее в местной мэрии в качестве подписи. Надписи на печати делаются специальным стилем- тэнсё, который очень сложно подделать.

В проспекте к выставке было сказано, что на выставке можно будет увидеть Икебана Но к сожалению это было не так. Представлена была только одна работа.

Была оформлена витрина, где среди разных предметов  были представлены инструменты для рисования суми-э -тушь и кисти.

 

Выставка была небольшой, но очень уютной и сделанной с любовью.

Что мне нравится в Дарвиновском музее, так это возможность спокойно фотографировать, заплатив 100 руб. Вот бы так было во всех музеях!

 P.S.В сообщении использованы материалы из проспекта к выставке "Птицы под облаками" в Дарвиновском музее и книги "Мацуо Басё.Лирика " изд.Москва АСТ и Минск ХАРВЕСТ 2008год.

(Продолжение о выставках в Дарвиновском музее следует).

"Аптекарский огород" и "Духовная волна".

Интересоваться искусством народов Средней Азии и  Востока я стала  давно. В молодости меня один человек познакомил с творчеством Омар Хайяма . Потом были поездки в Самарканд, Бухару, Хиву и Ташкент, Алма-Ату и Фрунзе. Объехала все северное побережье Иссык-Куля до города Приживальска. Поэтому меня так привлекают выставки , книги и телепередачи на эту тему.

С 6 июля по 31 августа 2014 года в "Аптекарском огороде" на Проспекте Мира была представлена крупномасштабная инсталляция "Духовная волна"- я решила ее посетить.

Раньше станция метро "Проспект Мира" называлась "Ботанический сад".  А что рядом с этой станцией находится филиал Ботанического сада МГУ "Аптекарский огород", я не знала. И вот в последний день работы этой выставки ( 29 августа 2014г.) я поехала в "Аптекарский огород". Трудно предположить, что за скромной дверью как в обычный магазин, находится вход в сад.

В Москве не так много осталось мест напрямую связанных с деятельностью Петра 1. "Аптекарский огород"- одно из таких мест.

1706 году здесь, на тогдашней северной окраине Москвы, за Сухаревской башней, по указу Петра 1 был заложен "аптекарский огород" для выращивания лекарственных растений. Сначала он принадлежал Аптекарскому приказу, затем Московскому госпиталю.

Выращиваемые здесь растения использовались не только для изготовления лекарств, но и для обучения ботанике будущих  врачей.

Но начну с "Духовной волны", т.к это первое что я увидела войдя в сад в его бассейне.

Выдающийся японский художник, профессор школы СОГЕЦУ (г.Токио) Тенсунори Кавана -признанный мастер монументальных композиций и инсталляций , вместе со своими помощниками -студентами архитектурного института, на глазах публики под музыку Г.Свиридова созжает свою "Духовную волну"

Особенность проекта в том, что Кавано использует только природные материалы.

В Духовной волне использовался в основном бамбук.В начале открытия выставки он был зеленый и гладкий, ни одна деталь не "топорщилась". Но в конце августа я увидела ее немного "растрепанной" и  совсем желтой.

Замысел Кавана -создать иллюзию прохода человека внутри волны - по подводному течению, как это было с библейским пророком Моисеем, перед которым расступилось море.

Честно говоря я этого не увидела и не почувствовала.
У меня эта композиция вызвала совсем другие ассоциации. На борту бассейна сооружен макет города

и если смотреть на волну, то она постепенно увеличивается от города.

 Вот у меня это ассоциировалось  с огромным культурным и духовным наследием человечества с которым мы знакомимся выходя из дома. Или на оборот -все культурное и духовное  наследие стремится к нам в дом, чтобы мы могли его познать.

Осмотрев Волну со всех сторон, я продолжила прогулку по саду. Вход в сад платный, для пенсионеров 150 рублей. Наверное по этому сад содержится таком порядке. К началу 19 века здесь были собраны сотни видов растений для изучения и преподавания ботаники. С 1805 года сад в ведении МГУ. По приданию одно из деревьев сохранилось в саду со времен Петра 1 и бережно охраняется.

Первое, что видишь в бассейне -это императорские рыбы.

 

Декоративные рыбы существуют несколько тысячелетий. Наиболее давняя история у цветных карпов Кои.Уже в 533 году до н.э. они упоминаются как домашние животные китайских императоров. В Зеркальном канале живут  Кои оранжевых, желтых и черных цветов возрастом от 7 лет до года. Обо всем этом и многом другом я узнала из информационного щита у канала.

Но главная прелесть сада в том, что с первых шагов по саду, забываешь что ты находишься в центре Москвы и остаешься наедине с природой.

Осень на пороге, но в саду много цветов.

Уютные дорожки и аллеи пересекают сад и позволяют любоваться разными его уголками.

Сад разделен на зоны. В одной из них и воссоздан уголок "аптекарского огорода" лекарственных трав.

Посмотрела я и оранжерею. Если раньше вход в нее был только с экскурсией, то теперь свободный. Уникальность оранжереи состоит в том, что когда стала мала старая оранжерея, над ней соорудили новую.

На втором этаже были представлены растения пустыни. Поднявшись по лесенке, попадаем в мир кактусов.

 Так как день был очень теплым и солнечным, часть кактусов принимало "солнечные ванны"на крыше оранжереи.

В парке постоянно бывают выставки на открытом воздухе. Вот и я увидела выставку .На лужайке под старинным 200- летним дубом были расставлены небольшие милые, смешные объекты. Выставка называлась "Истории в Саду".

Участвуют художники работающие с керамикой. Каждый объект рассказывает свою историю.
Эта композиция называется "Приятного аппетита".

Эта "Космос".

А эта просто -"Девочка".

Вот -"Осенние листья".

С большим сожалением я уходила из сада, дав себе слово бывать там в разное время года.